Teatro
Helena Blavatsky, a voz do silêncio – Um dos maiores sucessos, de público e crítica, da temporada 2023, retorna a São Paulo no Teatro Itália Bandeirantes
Texto: Lucia Helena Galvão | Interpretação: Beth Zalcman
Encenação: Luiz Antônio Rocha
“É difícil até pensar por onde começar a fazer uma crítica sobre essa peça.
No tamanho da arte que oferece. Talvez uma boa forma de iniciar seja dizer que é tudo tão mágico e simbólico como a vida e a obra da personagem-título”.
Alvaro Tallarico
Jornalista, crítico e escritor
“Eu estou assim encantado com coração pulsando
de alegria por ter assistido uma performance estupenda
da Beth Zalcman…Tudo se encaixa!
Osmar Prado, ator
Importante pensadora do final do séc. 19, a russa Helena Petrovna Blavatsky (1831-1891) buscou ampliar o diálogo entre religião e ciência, influenciando personalidades de diversas áreas do conhecimento.Sua vida e obra inspiraram o monólogo “Helena Blavatsky, a voz do silêncio”, estrelado por Beth Zalcman, sob a direção de Luiz Antonio Rocha,com texto de Lucia Helena Galvão, filósofa, professora, escritora, poetisa e palestrante em sua primeira incursão na dramaturgia. (*Trechos de críticas e depoimentos abaixo)
O espetáculoestreou no Ceará, em 2019. Em 2020 foi apresentado online, com alcance global. Ele retornou de forma presencial em janeiro de 2023, em São Paulo, para onde retorna no dia 21 de setembro, após ser visto por mais de 35 mil pessoas neste primeiro semestre. “Assim como alcançamos expectadores em todo o mundo com as apresentações virtuais, a versão presencial tem atraído muita gente de vários estados brasileiros e até do estrangeiro. Recentemente recebemos um grupo da Holanda em nossa incrível temporada no Rio de Janeiro, que segue até 17 de setembro, além de vários convites para levar a peça para o exterior ”, fala Luiz Antonio Rocha sobre o sucesso da montagem.
Uma das cenas da peça, em que a escritora e filósofa enfrenta a injúria e a difamação, desmontada somente 100 anos após a sua morte, será o ponto central de um documentário sobre Helena Blavatsky, dirigido pelo cineasta Pedro Carvana que terá como base o livro H.P. Blavatsky e a Sociedade para Pesquisas Psíquicas: Retratação a Blavatsky.
A peça te faz entender porque essa mulher sofreu tanta perseguição,
ela era uma mulher livre na sua busca espiritual,
livre das amarras e corajosa …abriu muitos caminhos.
Clarice Niskier, atriz
A encenação propõe uma dramaturgia inspirada no “sfumato”, de Da Vinci. A montagem procura levar o público do irreal ao real, das ilusões à verdade espiritual, da ignorância à sabedoria que ilumina o propósito da existência. A direção de arte, cenário e figurinos foram baseados em algumas pinturas do artista impressionista Édouard Manet. Após cada sessão acontece um bate-papo com a equipe de criação.
Sinopse
A luz da vela ilumina o cenário e revela um lugar simples no frio de Londres no final do séc. 19. É um recorte do quarto de Helena Blavatsky, que se encontra sozinha, no seu último dia de vida. Ela revisita suas memórias, seu vasto conhecimento adquirido pelos quatro cantos do mundo, se depara com a força do comprometimento com sua missão de vida e as consequências de suas escolhas. Relembra sua forte ligação com a Índia e seu encontro, em Londres, com Gandhi. “Helena Blavatsky, a voz do silêncio”, é um mergulho no universo que existe dentro de nós.
Carlos Vereza, Beth Zalcman e Luiz Antonio Rocha
“O bonito no trabalho de vocês é mostrar que
a resistência não vem através do radicalismo, mas do valor à vida.
E a vida, sobretudo, se manifesta através da arte”
Carlos Vereza, ator
SERVIÇO
Helena Blavatsky, a voz do silêncio
Texto original: Lucia Helena Galvão
Interpretação: Beth Zalcman
Encenação: Luiz Antônio Rocha
Duração: 60’
Recomendação: 12 anos
Gênero: Biográfico e filosófico
Estreia: dia 21 de setembro
Temporada: de 21 de setembro a 22 de outubro, quintas, sextas e sábados, às 20h, e domingos às 19h.
Ingressos: R$100 | R$ 50 meia
Vendas pelo site: https://bileto.sympla.com.br/event/85501/d/209250/s/1411289
Horário Bilheteria
Terça a sábado, das 17h às 21h
Domingo, das 16h às 21h, ou até o início do espetáculo
Teatro Itália Bandeirantes – 290 lugares
Av. Ipiranga, 344 – República – São Paulo
Instagram: @helenablavatskyavozdosilencio
Ficha técnica:
Texto original: Lucia Helena Galvão @profluciahelenagalvao
Interpretação: Beth Zalcman @bethzalcman
Encenação: Luiz Antônio Rocha @luiz.antonio.rocha
Cenário e Figurino: Eduardo Albini
Iluminação: Ricardo Fujii
Assistente de Direção: Ilona Wirth
Visagismo: Mona Magalhães
Fotos: Daniel Castro
Consultoria de movimento (gestos): Toninho Lobo
Operador de luz: Gabriel Oliveira
Marketing Digital: Reação Web
Idealização e Produção: Beth Zalcman e Luiz Antônio Rocha
Parceria: Organização InternacionalNova Acrópole do Brasil
Realização: Teatro em Conserva / Espaço Cênico Produções Artísticas e Mímica em Trânsito Produções Artísticas.
*Depoimentos sobre o espetáculo
“Fiquei impactada e muito emocionada com esse espetáculo inspirador. Mesmo sendo por transmissão online, a força do teatro estava presente. Espetáculo imprescindível, necessário, mais do que nunca nesse momento tão delicado. Encontrar essa luz que vocês acendem em cada um de nós é fundamental para que o ser humano encontre o caminho de volta, o caminho do crescimento para o processo evolutivo do verdadeiro amor. As palavras de Blavatsky ditas por vocês, atriz, texto, direção… tocam a nossa mente e o nosso coração para o despertar da consciência desse novo tempo” –
Beth Goulart – atriz
Acabei de sair da estreia de Helena Blavatsky, a voz do silêncio… Estou bastante impactada coma interpretação, com a performance da Beth. Ela faz um mergulho muito profundo, tem momentos que a expressão dela está para além dela. É tão bonito quando você vê uma integração da atriz com personagem, com o texto…a direção é linda do Luiz Antonio Rocha e o texto da Prof. Lucia Helena Galvão é muito esclarecedor. A peça te faz entender porque essa mulher sofreu tanta perseguição, ela era uma mulher livre na sua busca espiritual, livre das amarras e corajosa …abriu muitos caminhos.
Clarice Niskier – atriz
“Exuberante, traz a possibilidade de um vislumbre do Himalaia espiritual, uma delicadeza de sentimentos. O texto e a atriz transportam a gente para voos onde é possível enxergar os silêncios da alma. Esse trabalho é essencial num momento tão embrutecido”
Bruna Lombardi, atriz e escritora
“Grandiosa e comovente a interpretação de Beth Zalcman. Cada palavra é legitimada pelo gesto, pela presença espiritual. A encenação de Luiz Antônio Rocha é de uma sensibilidade admirável. Não é a câmera que produz o close, é a personagem que se aproxima do interlocutor. O texto da professora Lúcia Helena é primoroso, construído de forma a privilegiar na medida correta tudo o que é relevante na história da personagem”
Paulo Figueiredo – ator
“Eu estou assim encantado com coração pulsando de alegria por ter assistido uma performance estupenda da Beth Zalcman. Não tem como explicar. A mim me parece que é uma entidade, da qual se incorpora e evidentemente com toda consciência da atriz, e se une numa transformação extraordinária de comunicação e sensibilidade, inclusive a expressão corporal. Tudo se encaixa! E há uma força que à acompanha que sem dúvida alguma não nos cabe explicar, mas apenas saborear a performance de uma grande atriz.
Osmar Prado – ator
“…BETH fala pelas palavras, pelos olhos e, muito, pelas mãos, as quais explora com um brilhantismo que nos hipnotiza. LUIZ ANTÔNIO ROCHA repete uma direção impecável, explorando todos os infinitos recursos de interpretação da atriz, não economizando em boas ideias e resoluções para todas as cenas…em “HELENA BLAVATSKY, A VOZ DO SILÊNCIO”, ele chega a alçar a iluminação à categoria de “intérprete”, visto que esta “dialoga e contracena” com a atriz, da primeira à última cena, de uma forma que poucas vezes vi acontecer num palco. Que imenso entrosamento existe entre o diretor, a atriz e RICARDO FUJJI, o iluminador da peça!…”
Trecho da crítica de Gilberto Bartolo
Estreia dia 07 de novembro às 19:30 h, no Teatro Henriqueta Brieba, “Bosque das Delícias”, uma comédia de Flavio Freitas, que transforma a mitologia grega em uma sátira plena de irreverência, música e improviso, envolvendo deuses e mortais.
Misturando cultura popular e referências contemporâneas, a peça enfoca a filosofia, a beleza, a busca do amor e o abuso do poder, sempre com sarcasmo e participação do público. O resultado é um espetáculo politicamente incorreto, que resgata a tradição do humor popular brasileiro. É um convite ao riso libertador, exagerado e sem cerimônia, provocado pelo amor, a beleza, a feiura, o prazer e as eternas trapalhadas dos imortais.
Recheada de sucessos da Jovem Guarda, parodiados de maneira primorosa pelo autor Flavio Freitas, a peça nos oferece momentos de pura alegria e encantamento, e ingressa no terreno da metalinguagem, devido às intervenções hilárias do contrarregra, atormentado com o horário, devido à duração da peça.
SINOPSE
O mote principal da peça é o envelhecimento da princesa Psiquê que ao casar-se com o deus Cupido (Eros) teve a promessa de Zeus de dar-lhe o status de deusa e a devida imortalidade. Acontece que a burocracia no Olimpo emperrou o processo. Psique envelheceu e está à beira da morte. As loucas e excêntricas Parcas surgem para levá-la ao Hades, o famoso inferno.
A filha Hedonê, revoltada com a promessa não cumprida de Zeus e vendo que suas tias, irmãs de Psiquê, Perfunctória e Excrescência não envelheceram, acredita existir uma fonte da juventude. Pede prazo às Parcas e parte em busca dessa fonte. O enredo passa a ser conduzido pela urgência de Hedonê, que está determinada a salvar a mãe das garras da morte. A missão a lança em uma jornada épica, repleta de elementos absurdos.
FICHA TÉCNICA
Autor e diretor: Flavio Freitas
Elenco: André Vaz, Lula Medeiros, Leda Lucia, Leandro Azevedo, Anderson Paiva, Carla Fernandes, Simone Vidal, Samira Azeredo, Simone Heleno, Sergio Borelli, Pedro Borges, Roberto Marconi.
Arranjos Musicais e Preparação Vocal: Tuninho Rosamalta
Paródias: Flavio Freitas
Coreografia: Simone Heleno
Assessoria de imprensa: Maria Fernanda Gurgel
SERVIÇO
Espetáculo: BOSQUE DAS DELÍCIAS
Estreia: 7 DE NOVEMBRO – 6ª feira
Todas as sextas-feiras do mês de novembro
Horário: 19:30 h
Local: TEATRO HENRIQUETA BRIEBA
Rua Conde de Bonfim, 451 – Tijuca
Tempo do espetáculo: 1:30 h
Classificação indicativa: 14 anos
Ingresso: Inteira: R$ 60,00 – Meia: R$ 30,00 – Sócio: R$ 25,00
Redes sociais da produção: Facebook, Instagram
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Cultura
Sucesso na Broadway, “O Som que Vem de Dentro” chega ao Teatro Glauce Rocha em curta temporada
Dirigida por João Fonseca e estrelada por Glaucia Rodrigues e André Celant, a peça do norte-americano Adam Rapp mergulha em um inquietante thriller de suspense
Primeira montagem no Brasilda peça The Sound Inside, de Adam Rapp, O Som que Vem de Dentro está de volta aos palcos em curta temporada no Teatro Glauce Rocha, no Centro do Rio, de 08 de novembro a 14 de dezembro. Sob a direção de João Fonseca e tradução de Clara Carvalho, o espetáculo, aclamado mundialmente e sucesso na Broadway, traz aos palcos brasileiros uma trama de suspense intensa e cheia de nuances, uma imersão no universo de dois personagens que, mesmo distintos, se encontram na fragilidade humana diante da vida e da morte. As sessões em novembro acontecem de quinta a sábado, às 19h, e domingo, às 18h. Em dezembro, sexta e sábado, às 19h, e domingo, às 18h.
A história de O Som que Vem de Dentro gira em torno da relação de Bella Lee Baird, interpretada por Glaucia Rodrigues, uma professora de Literatura na Universidade de Yale que se vê diante de um câncer em estágio avançado, e Christopher Dunn, vivido por André Celant, um jovem escritor com um espírito inquieto e desajustado. A cada palavra, a cada gesto, a peça expõe as dores e as esperanças desses dois personagens em uma luta constante contra suas realidades. Ao mesmo tempo, ela revela o que há de mais profundo na existência humana: a busca por significado, por conexão e pela resposta a perguntas que, por vezes, não podem ser respondidas.
Bella é o reflexo da mulher moderna e empoderada, que abraça a vida à sua maneira, mesmo que isso signifique romper com padrões sociais estabelecidos. A personagem traz uma força vulnerável, uma mulher que escolhe uma vida que foge do tradicional “casamento e filhos”, mas que também é surpreendentemente tocada pelas adversidades que o destino lhe impõe. Já Christopher é o retrato de um jovem que, em sua obsessão literária – em especial por Crime e Castigo, de Dostoiévski – e seus traumas, se vê perdido em um mundo que não sabe como acolher sua autenticidade. Na opinião de Bella, trata-se de um prodígio. Enquanto ele compartilha com ela as páginas de seu próprio romance em andamento, os dois ficam mais próximos. Quando suas histórias (e ficções) começam a se fundir, o prazer de acompanhar essa história é irremediavelmente misturado com o medo do que pode acontecer a seguir.
– Em todos esses meus quase 30 anos de carreira, venho construindo sempre, seja no gênero de teatro que for, uma linguagem cênica focada essencialmente no jogo teatral, o palco como espaço para provocar a imaginação do espectador, onde ele participa desse jogo ativamente, potencializando ao máximo o trabalho do ator e o texto. Por isso, nada mais natural que meu encantamento com o texto de Adam Rapp, que possibilita uma encenação exatamente como venho buscando, onde quanto mais criatividade mais poderemos ampliar o alcance de suas palavras e adentrar por todos os lugares, criando uma literatura cênica viva e original – conta João Fonseca.
Sobre arte, vida e morte
A peça, em sua essência, é uma meditação sobre a vida e a morte, as escolhas que fazemos e as que nos são impostas. A trama coloca o câncer e a depressão no centro da discussão, mas vai além, abordando o suicídio e o vazio existencial de um mundo que muitas vezes parece ser implacável, e provocando o espectador a refletir sobre suas próprias angústias e medos. A literatura, que ocupa um lugar central na narrativa, é a âncora que mantém os personagens vivos, alimentando não apenas o intelecto dos personagens, mas também sua resistência frente aos seus desafios pessoais.
A partir do encontro dos dois personagens, o autor, através de um jogo teatral original, vai revelando as diversas camadas de assuntos tão delicados, como o sofrimento que a falta de perspectiva no tratamento de uma doença grave pode causar, assim como o sofrimento que o jovem passa num mundo tão difícil de se enquadrar. Tudo isso feito com uma carga de tensão e mistério que surpreendem o espectador do início ao fim.
O diretor ressalta que O Som que Vem de Dentro não é apenas uma peça sobre câncer ou suicídio. É uma reflexão sobre as questões universais da existência, da identidade e da necessidade humana de se conectar com o outro.
– A obra é também um grito de resistência, uma lembrança de que a arte, em todas as suas formas, tem o poder de nos transformar e de nos fazer confrontar as questões mais profundas e urgentes de nossa humanidade. E nos desafia, nos emociona e nos faz pensar sobre o que realmente significa viver – completa.
Sucesso na Broadway
The Sound Inside estreou em 2018 na Broadway, onde obteve sucesso
de público e crítica, com diversas indicações ao Tony Award, ganhando
o de Melhor Atriz para Mary-Louise Parker. Desde então, a peça já foi
montada em diversos países do mundo sempre com o mesmo êxito.
The New York Times: “Um mistério emocionante. Uma nova peça surpreendente.
90 minutos ininterruptos de tensão!”
Los Angeles Times: “Acessível e divertida, parece uma peça simples de dois personagens que conta uma história cativante. Mas o drama em si é uma série de
caixas de quebra-cabeças. Abra um e você encontrará outro – cada
um levando mais fundo no mistério da relação da arte com a realidade.”
Chicago Tribune: “Emocionante e Atordoante!”
Daily News: “Uma linda peça de teatro!”
O AUTOR
Um dos mais incensados autores americanos da atualidade, Adam Rapp (nascido em 15 de junho de 1968) é um romancista, dramaturgo, roteirista, músico e diretor de cinema. A sua peça O Inverno da Luz Vermelha foi finalista do Prêmio Pulitzer em 2006, e na montagem brasileira teve Marjorie Estiano como protagonista e direção de Monique Gardenberg. O seu último trabalho foi o texto de The Outsiders a new musical, que está em cartaz atualmente na Broadway e ganhou o Tony de melhor musical de 2024 com Adam sendo indicado como melhor autor de musical. A maioria das peças de Rapp apresenta elencos pequenos e são ambientadas em espaços pequenos. Muitos personagens das peças são americanos da classe trabalhadora. Ele combina humor com melancolia, preferindo temas sombrios.
– Quando você vê algo poderosamente representado no palco, isso o atinge num lugar único! Ver alguém a três metros e meio de você se apaixonar ou ser abusado. Há algo cru nessa experiência que você não obtém no cinema ou na TV – destaca Rapp.
JOÃO FONSECA
João Fonseca é diretor de teatro, cinema e televisão. Paulista de Santos, iniciou sua carreira como ator em São Paulo no Centro de Pesquisas teatrais de Antunes Filho. Em 1993 se muda para o Rio de Janeiro e estreia como diretor de teatro em 1997 na Cia Os Fodidos Privilegiados do grande Antônio Abujamra com “O Casamento”, de Nelson Rodrigues. Nos seus 25 anos de carreira tem em seu currículo mais de 70 espetáculos de todos os gêneros e diversas indicações / premiações como melhor diretor, entre os quais o Prêmio Shell, Prêmio Bibi Ferreira e Prêmio Cesgranrio.
Dirigiu alguns dos principais sucessos dos palcos e da TV no Brasil nos últimos anos, entre eles os musicais: “Tim Maia – Vale Tudo”, de Nelson Motta (2011) e “Cazuza – Pro Dia Nascer Feliz, o Musical”, de Aloísio de Abreu (2013); os espetáculos “Minha Mãe É Uma Peça”, de Paulo Gustavo (2006), que depois se tornou filme, e “Maria do Caritó”, de Newton Moreno (2010), com Lilia Cabral, que lhe deu seu segundo Prêmio Shell. Na televisão dirigiu oito temporadas de “Vai Que Cola”, programa de TV do canal Multishow, “A Vila”, e a segunda temporada de “Tem Que Suar”, no mesmo canal. Em 2020, fez sua estreia na direção de longa-metragens com “Não Vamos Pagar Nada”, com Samantha Schmutz e Edimilson Filho. Seus trabalhos mais recentes incluem um musical sobre Tom Jobim, um musical brasileiro de Rafael Primot intitulado “Kafka e a Boneca Viajante” além de uma série jovem para Netflix intitulada ” Sem Filtro”.
GLAUCIA RODRIGUES
Bacharel em artes cênicas pela UNIRIO, bailarina clássica formada pela Escola de Danças Maria Olenewa, Glaucia estreou no teatro em 1982 em Nelson Rodrigues: O Eterno Retorno, de Nelson Rodrigues, com direção de Antunes Filho, participando de festivais de Teatro em Londres e Berlim. Em 1982 atuou em Macunaíma, de Mário de Andrade, com direção de Antunes Filho, cumprindo uma excursão pela Europa, México e Ilhas Canárias, num total de nove países. Trabalhou ainda em montagens de, A Comédia dos Erros e O Mercador de Veneza, ambas de William Shakespeare com direção de Claudio Torres Gonzaga(1992/93), As Armas e O Homem de Chocolate de Bernard Shaw, com direção de Claudio Torres Gonzaga (1995) As Malandragens de Scapino de Molière com direção de João Bethencourt (1996), O Olho Azul da Falecida de Joe Orton com direção de Sidnei Cruz (1996), Chico Viola, musical escrito e dirigido por Luiz Artur Nunes, A Moratória de Mario de Andrade com direção de Sidnei Cruz(2001), O Avarento (2002),Tartufo, O Sedutor (2004) O Doente Imaginário (2005), As Preciosas Ridículas, (2006) e As Eruditas (2007) todas de Molière com direções de Jaqueline Laurence, João Bethencourt, Claudio Torres Gonzaga e Jose Henrique Moreira.
Em 2011, comemorando os 20 anos da Cia Limite 151 protagonizou a peça Thérèse Raquin, de Émile Zola, com direção de João Fonseca. Em 2012 participou das peças “Auto da Compadecida” de Ariano Suassuna, com direção de Sidnei Cruz e “O Olho Azul da Falecida” de Joe Orton, com direção de José Henrique Moreira e do musical “Vicente Celestino – A Voz Orgulho do Brasil” de Wagner Campos, com direção de Jacqueline Laurence. Em 2021 a Cia Limite 151 montou e filmou o espetáculo “Hybris” com adaptação e direção de Wagner Campos. Estreou na televisão em 1990 na novela Pantanal, da TV Manchete. Seguiram-se papéis nas novelas Amazônia (1991), História de Amor (1995), e em episódios dos seriados Você Decide (1998), Carga Pesada (2004) e Insensato Coração (2011). Seu primeiro papel no cinema foi em 2002, no longa-metragem Meteoro, de Diego de La Texera. Em 2007 atuou no longa-metragem de Silvio Gonçalves, Sem Controle, com direção de Cris D’Amato. Em 2010 participou do longa-metragem Chico Xavier, com direção de Daniel Filho. Em 2014 dirigiu a peça “Fazendo História” de Alan Bennett, em 2015 a comédia “Tem um Psicanalista na nossa cama” de João Bethencourt e em 2022 a comédia “Gays, Modos de Amar” de Flávio Braga.
Foi indicada aos prêmios: Prêmio Shell 2008 como atriz em “O Santo e A Porca”, de Ariano Suassuna com direção de João Fonseca; Prêmio Mambembe/1997 como atriz coadjuvante em “O Herói do Mundo Ocidental”, de John Singe com direção de Jose Renato Pécora; Prêmio Cultura Inglesa/1996 como melhor atriz em “O Olho Azul da Falecida”; Prêmio Cultura Inglesa/1995 como melhor atriz em “As Armas e o Homem de Chocolate”.
ANDRÉ CELANT
Ator formado em Atuação Cênica pela UNIRIO, André Celant atualmente está em cartaz com “A Comunidade do Arco-Íris”, de Caio F. Abreu, sob direção de Suzana Saldanha e Gilberto Gawronski. Dentre outros trabalhos, integrou o elenco de “Alzira Power”, de Antônio Bivar, com direção de João Fonseca; “Sangue Como Groselha”, dirigido por Ricardo Santos; “Gabriela – o Musical” e “Evoé – o Musical”, ambos dirigidos por João Fonseca e Nello Marrese. Participou do festival Dança em Trânsito com o espetáculo “Quase”, direção de Vanessa Garcia. Integrou o elenco da peça “Othello, O Mouro de Veneza”, de William Shakespeare, com direção de Carlos Fracho. Faz parte do coletivo Prática de Montação, onde atuou no espetáculo “Cabeça de Porco”. Como Assistente de direção, participou do projeto “Grau Zero”, texto de Diogo Liberano e direção de Marcéu Pierrot; “Ensaio Sobre a Perda”, texto de Herton Gustavo Gratto e direção de João Fonseca; e “A Pedra Escura”, texto de Alberto Conejero e direção de João Fonseca.
– É um privilégio dar vida a um personagem tão complexo e desafiador. Christopher é um gênio incompreendido, solitário, fora dos padrões do nosso tempo, alguém que rejeita as redes sociais e prefere escrever com caneta tinteiro. E é na professora Bella Baird que ele finalmente encontra uma pessoa que o enxerga de verdade, alguém tão “fora do lugar” quanto ele. Mergulhar nesse universo, ao lado de Glaucia Rodrigues, tem sido uma experiência intensa e transformadora – revela André Celant.
CIA LIMITE 151
A Cia. Limite 151 foi fundada em 1991 pelo diretor Marcelo de Barreto, pelo músico Wagner Campos e pelos atores Cris D’Amato, Gláucia Rodrigues e Edmundo Lippi. Desde então, seus integrantes buscaram construir um repertório o mais diversificado possível, sempre tendo como critério a escolha de textos que lhes possibilitassem, sobretudo, o prazer de estar em cena. Assim é que, em seus 34 anos de atividade ininterrupta, o grupo encenou 21 espetáculos: “Os Sete Gatinhos”, de Nelson Rodrigues; “A Comédia dos Erros” e “O Mercador de Veneza”, de William Shakespeare; “À Margem da Vida”, de Tennesse Willians; “Dom Quixote de La Mancha”, de Miguel de Cervantes; “Frankenstein”, de Mary Shelley; “O Olho Azul da Falecida”, de Joe Orton; “Os Contos de Canterbury”, de Geoffrey Chaucer; “A Moratória”, de Jorge Andrade; “O Santo e a Porca”, “Auto da Compadecida” e “O Casamento Suspeitoso” de Ariano Suassuna; “As Malandragens de Scapino”, “O Avarento”, “Tartufo – o Impostor”, “As Preciosas Ridículas”, “O Doente Imaginário” e “As Eruditas”, de Molière; “Vicente Celestino – A Voz Orgulho do Brasil”, de Wagner Campos; “Thérèse Raquin”, de Émile Zola e “Vaidades & Tolices” de Anton Tchekhov.
FICHA TÉCNICA:
Texto: Adam Rapp
Tradução: Clara Carvalho
Direção: João Fonseca
Elenco: Glaucia Rodrigues e André Celant
Cenário e Adereços: Nello Marrese
Figurino: Marieta Spada
Iluminação: Daniela Sanchez
Assessoria de Imprensa: Carlos Pinho
Produção Executiva: Valéria Meirelles
Direção de Produção: Edmundo Lippi
Realização: João Fonseca e Cia Limite 151
Produção: L. W. Produções Artísticas Ltda.
SERVIÇO:
“O Som que Vem de Dentro”
Local: Teatro Glauce Rocha – Avenida Rio Branco, 179, Centro, Rio de Janeiro – RJ
Temporada: de 08/11 a 14/12
NOVEMBRO: Quintas, sextas e sábados, às 19h; e domingos, às 18h
DEZEMBRO: Sextas e sábados, às 19h; e domingos, às 18h
Ingressos: R$ 30 (meia-entrada) e R$ 60 (inteira), vendas pelo site https://www.sympla.com.br/evento/o-som-que-vem-de-dentro/3178569
Duração: 80 minutos
Classificação: 14 anos
Rede social: https://www.instagram.com/osomquevemdedentro/
Cultura
Teatro Fashion Mall recebe a Orquestra Brasileira de Sapateado com o espetáculo “Pés, Bolas, Sons e Algo Mais”
Sob a direção de Amália Machado, Stella Antunes e Tim Rescala, apresentação une dança, música e brasilidades e terá apenas três sessões nos dias 07, 08 e 09 de novembro, sexta e sábado, às 21h, e domingo, às 19h
Com 35 anos de existência, a Orquestra Brasileira de Sapateado (OBS) criou mais de 15 espetáculos. Essencialmente inovadores, fizeram com que o sapateado dialogasse com a música, o teatro, o humor, a brasilidade e a tecnologia, abrindo portas e apontando novos caminhos. Essa importante trajetória será celebrada no palco do Teatro Fashion Mall, em São Conrado, no seu mais novo show, “Pés, Bolas, Sons e Algo Mais”, em apenas três apresentações nos dias 07, 08 e 09 de novembro, sexta e sábado, às 21h, e domingo, às 19h.
Sendo o único grupo com este perfil no país, a OBS apresenta agora uma releitura de suas produções. Ao mesmo tempo em que apresenta novas criações, está sempre mirando o futuro, reverência e se alimenta do passado. Incorporando também novos intérpretes, este espetáculo avança na pesquisa de linguagem que sempre marcou sua trajetória. A partir de seu vasto repertório, a OBS apresenta aqui novos formatos de encenação e novas sonoridades.
Como sempre foi característico do grupo, a música é ao vivo, nesse caso formado por um grupo de três músicos que se unem a oito sapateadores, como dois naipes de uma orquestra.
O roteiro priorizou os números mais emblemáticos, não só pela inovação que trouxeram, mas também pelo encantamento que causaram no público. A nova leitura desses números, os renovam, permitindo também a descoberta e caminhos estéticos inusitados.
ROTEIRO:
Tap dance é uma homenagem ao sapateado, reverenciando suas principais figuras ao contar a história do gênero. Ao logo de 12 minutos frenéticos, 8 sapateadores se revezam em vários personagens. Cantam e dançam, mostrando a evolução da linguagem do tap ao longo de várias décadas. Coreografia: Bruna Miragaia.
Concerto para Tap, que tem também uma versão para sapato midi, é de fato uma peça de concerto, onde o solista é um sapateador, acompanhado por uma orquestra de músicos e sapateadores. De certa forma, é uma fotografia do que a OBS sempre foi. Coreografia: Amália Machado e Stella Antunes. Adaptação coreográfica: Alexei Henriques.
Tap Toys é uma brincadeira onde músicos e sapateadores brincam de fazer sons com seus pés, seus brinquedos e seus instrumentos. Coreografia original: Stella Antunes. Adaptação coreográfica: Alexei Henriques e Sarah Santos.
Pés e Bolas é uma ode a esse objeto circular, presente em tantos esportes, e que exerce um eterno fascínio no ser humano. O diálogo do sapateado com variados esportes que utilizam a bola foi um experimento que deu certo, gerando uma movimentação cênica original. Coreografia original: Amália Machado. Adaptação coreográfica: Alexei Henriques e Sarah Santos.
The Jazz, um turbilhão de ritmo e energia. Sapateado explosivo dá vida ao espírito vibrante do jazz, em um número pulsante, que celebra liberdade e movimento. Uma atmosfera que cria um diálogo intenso entre som e corpo. Coreografia: Amália Machado
Musical americano é um duo musical, onde um par de sapatos, no lugar de ser calçado, é tocado com as mãos por um percussionista, como se fosse um instrumento, enquanto um sapateador toca um violino e se desafiam musicalmente numa inversão de papeis. Violino de Alexei Henriques. Sapateado com Tiago Calderano.
Gafieira, onde todo o elenco está em cena, alia o sapateado à dança de salão, presente em diversos gêneros, contando uma pequena história dentro desse espaço tão musical e brasileiro. A coreografia original é de Stella Antunes e Sueli Guerra. A adaptação coreográfica é de Alvaro Reys e Luciana Petsold.
Dublagem, um sapateador e um baterista exploram as possibilidades sonoras e expressivas do ato de dublar. Um intérprete dubla o som produzido pelo outro, simulando também o movimento que este produz ao gerá-lo. A coreografia é de Luciana Petsold.
Passinho, mostra a evolução de um gênero presente no cenário brasileiro, e como este pode se transformar e gerar um outro. A coreografia é de Luciana Petsold.
Funk, parte deste gênero musical tão carioca conta uma história de um confronto, como se fosse um West Side Story na Zona Norte do Rio. A coreografia original é de Stella Antunes e Sueli Guerra. A adaptação coreográfica é de Sarah Santos.
Step-okê, um dos maiores sucessos do grupo, é uma homenagem a grandes intérpretes e a grandes momentos que marcaram a história do sapateado. Enquanto um karaokê desafia os cantores, o step-okê desafia os sapateadores em cenas antológicas.
Black-out é uma mini canção, uma pequena cena de passagem que louva, justamente, a capacidade que este recurso tem na elaboração de um roteiro.
Tapnologia, que encerra o espetáculo,aponta o futuro do sapateado, sinalizando como este gênero ainda pode e deve evoluir, sobretudo se aliado à tecnologia. A coreografia é de Luciana Petsold.
Enfim, Pés, bolas, sons e algo mais traz a Orquestra Brasileira de Sapateado renovada, num momento especial, conciliando tradição e inovação e consolidando seu papel como uma orquestra original e coesa.
ELENCO:
Sapateadores: Alexei Henriques; Alvaro Reys; Bea Belo; Fernando Sgarbi; Luana Frizzera; Luciana Petsold; Maria Luiza Cavalcanti e Sarah Santos,
Músicos:
Baixo: Dôdo Ferreira
Teclado: Tibor Fittel
Bateria e Percussão: Tiago Calderano
FICHA TÉCNICA:
Roteiro, Direção Geral e de Coreografias: Amália Machado e Stella Antunes
Roteiro, Músicas Originais, Direção Geral e Musical: Tim Rescala
Coreógrafos do repertório original: Amália Machado; Bruna Miragaia; Luciana Petsold; Stella Antunes e Sueli Guerra
Coreógrafos das atualizações: Alexei Henriques; Alvaro Reys; Luciana Petsold e Sarah Santos
Assistente de Direção: Paula Ward
Ensaiadores e Assistentes de Coreografias: Alexei Henriques; Paula Ward e Sarah Santos
Consultoria Esportiva em Pés e Bolas: Eric Ward
Preparação Vocal: Camila Marlieri
Dramaturgia: Stella Maria Rodrigues
Guitarra gravada em Tapnologia e Passinho: Fabio Adour
Figurinista e Aderecista: Mauro Leite
Iluminador: Rodrigo Bezerra de Mello
Projeção Cenográfica e Animação: Rico Vilarouca e Renato Vilarouca
Programação Visual: Will O Grão
Assessoria de Imprensa: Carlos Pinho
Direção de Produção e Administração: Filomena Mancuzo
Produção Executiva: Márcia Andrade
Produção da OBS: Stella Antunes
Produção Executiva OBS: Cristina Leccioli e Paula Ward
Operador de som: Daniel Duarte
Operador de vídeo: Edmar da Rocha
Microfonista: David Alves
Camareira: Alessandra Dorneles
Realização: Orquestra Brasileira De Sapateado
SERVIÇO:
Local: Teatro Fashion Mall – Sala Rosamaria Murtinho – Estrada da Gávea, 899, São Conrado, Rio de Janeiro – RJ
Sessões: 07, 08 e 09 de novembro, sexta e sábado, às 21h, e domingo, às 19h
Ingressos: R$ 100 (inteira) e R$ 50 (meia-entrada), ingressos no local e no site https://bileto.sympla.com.br/event/110669/d/338395/s/2299322
Classificação etária: livre
Duração: 90 minutos
Informações: (21) 998578677
Site: https://www.obs-sapateado.com.br/site/
Rede social: https://www.instagram.com/obs_sapateado/
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